BATMAN. The Dark Knight Rises.

Dicen que las segundas y terceras partes no son buenas… dicen que las películas largas aburren… y que los villanos de los comics son demasiado predecibles… eso y otras cosas más han quedado sin piso con la tercera entrega de Batman The Dark Knight Rises; una imponente, atractiva y sorprendente cinta del reconocido director Chistopher Nolan, también creador de: Batman Begins en 2005 y Batman The dark Knight en 2008.

Aunque el doblaje y sonorización fueron bastante buenos, también hay que resaltar que al verla en su idioma original y subtitulado, la riqueza audible se puede explotar mayormente y por supuesto el audio envolvente de los cines hacen más detallada la secuencia de las imágenes (Recomiendo en Bogotá visitar la Mega Sala del nuevo Centro Comercial Titán Plaza).

La película está protagonizada por Christian Bale, Michael Caine, Gary Oldman, Morgan Freeman, Tom Hardy, Anne Hathaway, como parte de los actores principales.

Los personajes no dejan de sorprendernos: un villano natural con una debilidad tan marcada como el mismo origen de su maldad. Misma razón por la que el mismo Nolan no incluyó en esta tercera entrega la aparición de villanos clásicos como el Pingüino y Mr Freeze, dando una visión más realista y posicionando a Bane y a Catwoman como los personajes ideales para crear la sensación de realidad y cercanía con la trama ofrecida y que buscaba Warner Bros.

El despliegue tecnológico tampoco se hizo esperar, el nuevo juguete del hombre murciélago (seguramente pensado más para las proyecciones 3D y digitales que las convencionales) y los efectos especiales característicos y posibles solo en la Gótica que nos presenta su historia, pero que tienen un referente casi idéntico o modificado de la geografía estadounidense y por supuesto, una fotografía memorable, que sumado al alto contenido narrativo de la cinta, deja la sensación de querer volverla a ver.

Además, existe un mensaje anarquista y revolucionario que bien pudiese ser aplicado sanamente a nuestra realidad y un conflicto social que no dista (sacando aparte los personajes ficticios) del caos socioeconómico al que es sometida la población mundial y a las nuevas formas de terrorismo mediático. Pero de ninguna forma como lo ocurrido en la Masacre de Aurora en los Estados Unidos el pasado 20 de julio (día de su estreno), donde un joven de 24 años: James Holmes al parecer con problemas mentales, ingresó al cine y simulando ser The Joker, mató a 12 personas y dejó más de 59 heridos. Un hecho muy lamentable.

The Dark Knight Rises' ya ocupa el puesto número 30 de las cintas más taquilleras de la historia, ha superado la barrera de los 800 millones de dólares recaudados tras la tercera semana de estreno.

Trailer 4 HD:

Sitio Web Oficial: http://www.thedarkknightrises.com/home.php

Delicatessen

Bueno pues otra sorpresa encontré en ésta no tan vieja película del año 1991, una cinta francesa de humor negro, codirigida por Jean-Pierre Jeunet y Marc Caro y protagonizada por Dominique Pinon y Karin Viard, en la que los ambientes, el contexto, y sobre todo sus personajes, pues está basada en la interpretación de ellos mismos y su relación con los demás, hacen de éste viejo complejo de inquilinos una atractiva situación y un reflejo de cómo se ve de forma objetiva cada personaje al hacer parte de una comunidad.
La historia es simple: hay una carnicería, que pertenece al casero, Clapet, quien coloca enunciados en el periódico "Tiempos Duros" para atraer víctimas al edificio, asesinarlas y venderlas como carne a los habitantes del edificio. Un poco descabellada para la vida real pero muy divertida en la ficción.

La parte gráfica de la cinta se compone de varios aspectos: entre ellos destaco el color; pues como si se tratase de una foto cubierta de un filtro rojizo, vemos como todo es visto en colores tierra. Otro aspecto es la composición de la imagen, que en detalle se ve que fue trabajada meticulosamente gracias a una buena utilería, ambientación, vestuario e iluminación.

La parte sonora es presentada de la siguiente forma: • Desde el sonido ambiente, característico de cada personaje.• Desde las acciones o interpretaciones mostradas en la historia.• En conjunto, articulando los ambos modos sonoros con una intensión determinada.• Musicalización, creación de sonido a partir de objetos, ruidos, resonancias, acciones, voz o ausencia de sonido intencionalmente.


Delicatessen es una película entretenida, aunque reconozco que no me gustó ese género. Sin embargo si aprecio la forma como los actores se entregan al perfil sicológico propuesto para cada uno de sus personajes, pues sin ello la película sería un completo “ladrillo” debido a la intensidad y reiteración de sus acciones.

RESCATANDO AL SOLDADO RYAN

Rescatando al Soldado Ryan es una película de guerra estadounidense dirigida por S
teven Spielberg en 1998 y como muchas de las películas de éste blog, la analizo porque es considerada por la crítica especializada como una de las mejores de todos los tiempos del genero drama-guerra.

Es ésta ocasión el magnífico Steven Spielberg, logra recrear la dramática situación del desembarco de Normandia (hecho real), en el cual cuenta con la participación actoral de Tom Hanks, Edward Burns, Tom Sizemore, Matt Damon, Jeremy Davies, Vin Diesel, entre mis favoritas. Bajo el papel de soldados de guerra.

Valga resaltar que hoy en día Hanks ya hace parte de los mejores actores de la historia del cine. Matt Damon se consagró con su papel de antagonista en Los infiltrados. Vin Diesel no se quedó atrás y tiene varios ejemplos de actuación como Rápido y furioso y Triple x entre sus más representativas, con lo cual se demuestra que los buenos actores se forman desde proyectos anteriores como ésta película (Rescatando al soldado Ryan), seguramente semillero de lo que son ahora todos ellos.

Me impresionaron las escenas donde muestran de forma fría o “real”, cómo mueren los combatientes de guerra de ambos bandos. Específicamente una parte donde a un soldado le vuelan un brazo, éste se levanta, un poco aturdido y recoge lo que quedó de su extremidad con la mano que aún le sirve y continúa corriendo. Esto ejemplifica lo que significa estar en el campo de batalla, donde sobrevivir es lo primero sin importar cómo se quede al final.

El papel de Hanks, como el capitán John H. Miller, es perfecto para él, ya que en todas sus películas le pone ese toque de sensacionalismo o reflexión, que en últimas hace que el espectador termine viviendo o apropiándose de las sensaciones que el actor interpreta.

Un dato importante es que ésta historia, la idea del rescate de un soldado del campo de guerra, es real. En la película lo muestran de la siguiente manera: *En una carta personal escrita por Abraham Lincoln a la señora Bixby (que perdió 5 hijos en la guerra) como ejemplo similar, el General Marshall ordena que encuentren al soldado Ryan y lo envíen a casa inmediatamente. Lo que realmente ocurrió es que:

Tengo entendido que Frederick Niland (sargento) descendió con algunos paracaidistas de la División Aerotransportada para reunirse con el resto de la división, donde el teniente coronel Francis Sampson le informó la muerte de sus tres hermanos (dos en Normandía y el otro en el Lejano Oriente) y por esto se decidió que Niland debería regresar a casa.

Francis Sampson escribió un libro con sus memorias llamado Look Out Below! en 1958, donde narra sobre la 101ª División Aerotransportada y sobre el sargento Niland, de quien se basaron para crear el personaje del soldado Ryan.

En todo caso Spielberg supo plasmar muy bien la historia real adaptándola al cine. Recomiendo ver la película por su realización, su fotografía, su guión estructurado y sobre todo por las actuaciones de esos grandes personajes del cine.

Snatch

Cerdos y diamantes, titulo de una película que encaja muy bien con los personajes y con la historia como tal que nos presenta su director Guy Ritchie.


A veces pienso que las buenas películas no están diseñadas para gustarle a todo el mundo y mientras me concentro para entender su esquema narrativo y ligarlo todo a un diamante (objeto de búsqueda), veo como algunas personas se ríen mientras la ven, pero a otras no les causa mayor impresión.

Resalto el manejo de la importancia que les dan a todos los personajes que aparecen en la cinta. Además, el reparto que maneja esta película es tan significativo como también lo es el hilo conductor que mantiene la trama.

No sé si sea relevante, pero con tantos buenos actores, es como en este mundial de futbol, en el que se dan cita los mejores jugadores en un solo equipo y se articulan de tal modo que los resultados son óptimos.

El capítulo que mas me impresiono y que disfruté bastante fue la secuencia causa-efecto que se plantea en el momento en que tienen a Boris amarrado y encerrado en el baúl de un coche donde va Tyrone junto a sus inexpertos e inseparables ladrones. En otro plano Tommy y Turkish discuten y arrojan una bebida por la ventana, que cae al parabrisas del carro de Bullet y ocasionan una colisión que Boris aprovecha para poder salir del baúl, pero es arrollado en su intento de fuga.

En ésta escena se logra combinar diferentes planos, ambientes, historias paralelas, personajes e intensiones en un tiempo no mayor a 3 minutos; con lo cual el espectador recibe un flash de imágenes que se mezclan entre sí y marcan un clímax en el que todas las historias se unen de forma contundente.

Snatch es un film hecho para gustar y para “encarretarse” en el desarrollo de esas buenas historias no muy lejanas a la realidad y disfrutando del buen despliegue actoral, pues no siempre se puede ver trabajando juntos a Jason Statham, Stephen Graham, Alan Ford, Brad Pitt, Dennis Farina, Benicio Del Toro, y Mike Reid. Un reparto para deslumbrar…

Wall-e

En esta ocasión debo reconocer que me estaba perdiendo una maravillosa película de animación, cargada de emotividad, expresividad y que no requiere del diálogo para lograr su intencionalidad y hacer del espectador, partícipe de la cinta e identificando sentimientos propios que se reflejan en ésta creación del director Andrew Stanton.

Los personajes inventados para ésta película fueron diseñados muy subjetivamente, por eso nos familiarizamos con las acciones de éste robot que junto a Eva, su nueva amiga, logran adentrar al espectador en ese mundo de ficción y sensaciones no tan lejanas a la realidad, pues teniendo en cuenta los desarrollos tecnológicos de las últimas décadas, no suena tan descabellado ver que un robot interactúe con su entorno y aprenda nuevos procesos mientras conoce.

Algo que me fascina de la animación por computador es que hacer una película como ésta, implica romper el esquema de grabar las acciones, intensiones y sonidos (voz y otros) de una o varias personas en un lugar determinado y con unas características determinadas.

Wall-e es una película perfecta. Animación computarizada es crear a partir de nada; sin actores, sin vestuario ni utilería, sin escenarios reales. Wall-e es una de las mejores –por no decir la mejor de todas- creaciones producida por Pixar Animation Studios y distribuida por Walt Disney Pictures. En ella se refleja el esfuerzo y dedicación de todo el equipo técnico y de producción que hace posible dejar una puesta en escena tan perfecta como es ésta cinta.

Una de las partes a resaltar fuera del rico y detallado contexto visual presentado, es el sonido en Wall-e. La calidad de audio que se manejó es el fuerte y a la vez la base de su estructura narrativa. Se creó un sonido diferente para cada situación, acción o movimiento a partir de objetos reales que fueran acordes con lo requerido. Un trabajo excepcional a cargo de Ben Burtt, conocido ya anteriormente por sus trabajos en la serie cinematográfica de Star Wars y en la película de E. T., el extraterrestre. En Wall-e, la mayoría de los personajes no tienen voces humanas, en su lugar utilizan sonidos robóticos, diseñados por computador que logran dar la sensación de veracidad y que mágicamente elimina los diálogos sin perder continuidad.

Tuve la oportunidad de ver un corto de la producción de sonido que se hizo para ésta película, en el que muestran cómo el señor Ben Burtt y su grupo de trabajo ingenian meticulosamente cada uno de los sonidos que componen el audio de Wall-e. Es muy bueno, lo recomiendo, así como también un corto llamado Burn-e que se desarrolla paralelo a la historia de Wall-e y que es como un plus, un postre para después de ver la película.

Wall-e es una magnífica cinta para mostrar e impresionar, para quedarse en casa bien acompañado y disfrutar de las aventuras de éste gracioso robot.

300

Normalmente acostumbro a ver películas de este estilo; donde no hay hombres del común sino héroes, donde unos pocos enfrentan a miles y salen victoriosos, donde al recrear batallas y épocas de conquista, el hombre daba su vida por su patria, por honor o por orgullo y lograba enfocar mi atención en la historia y no en sus complementos. Sin embargo en esta película el vacio más recurrente es precisamente el contenido, el argumento, una línea de interés.

En lo personal no hallo un gancho de atracción lo suficientemente importante como para concentrarme en la cinta, pues si bien al inicio se muestra una introducción muy agradable del personaje principal (Leónidas), el corte abrupto entre la formación del personaje cuando niño y la aparición en escena de éste ya maduro, no fue la más adecuada; pues se deja caer la línea de interés y por ende, al momento de introducir el objeto motivador o detonante (negar el pago/tributo por tierra y agua), no se muestra con bastante fuerza como para dar paso a una guerra.

Desde la parte audiovisual, exagerar con efectos no necesariamente significa atraer más al público, ya que con esto solo consigue hacer inverisímil la historia, como por ejemplo:
• Ese hueco “sin fin ni fondo” en medio de lo que parece ser un palacio….
• La forma caricaturesca del lobo asechando a Leónidas cuando niño…
• El manejo de sombras o luces al referirse a un personaje determinado…

Antes de volver a ver la película logré encontrar información curiosa que de alguna forma justifica mi concepto sobre la película 300.

Y es que cuando se invierte tanto dinero en preproducción, producción y postproducción, cuando se crea el vestuario y se acondiciona físicamente tantos actores y extras y que su guión técnico en general es tan poderoso, debió preocuparse más por argumentar de forma completa el guión literario, que se quedó corto para tanta tecnología…

Para finalizar recalco y clarifico: Mas allá de limitar a un sí o un no mi gusto por la película, solo digo que faltó fuerza en las secuencias, en su historia como tal y ello se evidenció conociendo su amplio despliegue técnico, su perfecto manejo de cromas, edición y postproducción en comparación con su historia, una novela gráfica de Frank Miller calcada de un cómic, similar el trabajo realizado en Sincity y que a su vez recrea la batalla de las Termopilas desde la perspectiva del director Zack Snyder.

Pulp Fiction

Un reparto de primera, un protagonismo perfectamente dividido y una trama que pese a lo complejo de su estructura, consigue atrapar por completo la atención del público.

Si bien hoy por hoy Quentin Tarantino se pasea por el hall de la fama gracias a la versatilidad con que nos presenta sus extrañas pero exitosas películas; fue en momentos como el de Pulp Fiction (1994) en que este genio del largometraje dio a conocer lo fantástico de sus creaciones para la pantalla gigante. Esto sin dejar de lado que no solo dirige sino que escribe e interpreta algunos de sus personajes al tiempo que se encarga de la parte de dirección. No por nada ganó varios premios al Mejor Director y a Mejor Guionista, entre ellos un Oscar y un Globo de Oro.

El aspecto que más me atrae de ésta película es la articulación de esas pequeñas historias que se cuentan al interior de su cinta y que el mismo Tarantino guardó hasta lograr su correcta puesta en escena y el desarrollo que le da a las mismas. Es lo que yo considero una unión perfecta: Un buen director, a cargo de unos actores de primera, sobre un mismo escenario y en un punto clave de sus carreras.

Algunos puntos clímax mostrados en la cinta:

• Cuando Jules (Samuel L. Jackson) y Vincent (John Travolta) van por el maletín y antes de matar al sujeto que buscaban lo cuestionan y lo interrogan tratando de dar paso a una discusión que justifique su muerte.

• Cuando Butch(Bruce Willis) ha escapado satisfactoriamente de ser visto luego de un asesinato y en un cruce de semáforo se detiene mientras cambia y justo allí, donde todo era perfecto para el personaje donde la línea de interés decae como cerrando un capítulo, aparece Marcellus(Ving Rhames) quien buscaba a Butch y la escena se prolonga, elevando nuevamente el nivel de atención del espectador, inclusive con la aparición de un tercer personaje (el tendero del Gun Shop), creando otro punto de giro que cambia totalmente la persecución y nos adentra en una nueva trama, en la que su fin es tan exótico como solamente pudo ocurrirse en la mente de su director.

• La fetichista escena donde Mia Wallace (Uma Thurman) inhala heroína y sufre un colapso que casi le cuesta la vida. Escena seguida de el momento en que le inyectan una dosis de adrenalina directamente de en su corazón.

Conclusión: Es una película perfecta cuando se ve completa y no con los fatales cortes de escenas que hacen cuando la adaptan para televisión; lo digo por experiencia porque las dos veces que vi ésta película lo hice en televisión y así se pierde continuidad, singularidad e interés.

The Departed (Los infiltrados)

The Departed (Los infiltrados)

Esta magnífica obra del director Martin Scorsese, es considerada por la crítica especializada como una de las mejores del cine policíaco gracias a la trama que ofrece y a las actuaciones de los experimentados protagonistas, que lograron dar la intensión que buscaba Scorsese.

El argumento se basa en un thriller policíaco de 2002 en Hong Kong llamado Infernal Affairs, ("Juego sucio" en España) que fue todo un éxito en Asia.

Esta película cuenta con la actuación especial de personalidades de la talla de Leonardo DiCaprio (Billy Costigan), Jack Nicholson (Costello), Matt Damon (Colin Sullivan), entre otras estrellas del séptimo arte. Sin duda alguna es gracias a las actuaciones de ellos que la cinta adquirió gran fuerza y popularidad, además de los miles de fanáticos del aclamado director que en el 2004 ya había batido record de ventas con otra de sus máximas: The Aviator (El aviador).

Posted 23rd February 2010 by stp

CIUDADANO KANE

Catalogada según la crítica especializada como una de las 5 o hasta 10 mejores películas de toda la historia del cine, producida, dirigida y protagonizada por Orson Welles. Algunas personas toman éste clásico cinematográfico como algo denso, tedioso. Sin embargo, ésta es y será una obra maestra, una película creada con un presupuesto demasiado alto para la época y que utilizó todos los recursos fílmicos existentes para dar como resultado una puesta en escena nunca antes vista, algo que causó gran conmoción en su entonces, algo que nadie esperaba ver.

Personalmente ya había visto ésta película y entre la primera y la segunda vez que la vi, pasaron casi 8 años, pero recuerdo perfectamente que en la primera ocasión me impresionaron mucho más algunas cosas que por muy superficiales que fueran, son la esencia de su estructura:

• La forma como está construida la historia, con un inicio enmarcado por la crueldad como es prácticamente cambiado el niño (Charles Foster Kane), alejado de su felicidad natural aún en lo precario de su condición económica.

• Un desarrollo de la trama con libretos perfectamente articulados, aún cuando la historia es contada desde la perspectiva de 5 o 6 personajes, los cuales tuvieron un contacto cercano. Algunos de ellos lo enaltecen, lo idolatran y otros lo ven con resentimiento, como un ser prepotente y arrogante, capaz de conseguir sus objetivos sin importarle pasar por encima de los demás o a costa de ellos.

• Un final esperado, que recuerda la lección de que ni siquiera con todo el dinero del mundo se puede comprar la felicidad. Por ello Charles Foster Kane termina solo, multimillonario, pero solo. Algo que es preciso resaltar es la angulación con la que se hace la toma de las escenas. Un juego de cámaras que nos ofrece una perspectiva especial, diferente, sentimos los actores, los escenarios, sin duda alguna esto ayuda a darle una intensión más marcada de lo normal a los planos de enfoque, como por ejemplo:

• Cuando se hace un contrapicado, la cámara está por lo menos unos 50cm por debajo del nivel del suelo, lo que le da al espectador una sensación de gigantismo del personaje.

• También vemos unos plano secuencias en los que la cámara nunca se aparta del personaje, aún cuando éste debe desplazarse y cambiar de escenario pasando de un cuarto a otro y la cámara lo enfoca continuamente, dando la sensación de estar viviendo el momento… es fantástico, no dejar caer la atención del público y esto permite dar una continuidad que realmente no he visto en otras películas.

• La escena en la que mejor se aprecian los anteriores dos efectos es en donde Charles Foster Kane está destruyendo todo en el cuarto, pues mientras esto ocurre la cámara permanece en una esquina inferior y al acercarse kane nos da esa sensación de gigantismo al verse extrañamente enorme en proporción con lo que se enfoca al fondo de la toma.

• Luego, cuando Kane sale de un cuarto y pasa a un inmenso pasillo de espejos enormes, un escenario que por sus proporciones, más bien parece un exterior, aun cuando se entiende que es dentro del mismo palacio. Ahora bien, el paso de un interior a un exterior en una toma continua es algo realmente difícil de lograr y más sabiendo que en esa época no contaban con los recursos fílmicos que tenemos ahora, pero Wells lo consiguió, incluso juega con el reflejo del personaje en un espejo del palacio para terminar de mostrarlo alejarse sin hacer corto en la secuencia.

En fin, hay muchas escenas perfectas para analizar, pero la anterior es realmente clave para mostrar el potencial de una mente tan brillante como la de Orson Welles, quien se metió de lleno en su película e hizo de ella una cinta para recomendar, para analizar y en casos como el mío, para disfrutar…

Mejor Imposible.

Sería falso de mi parte decir que al analizar esta película mantendría el equilibrio en la importancia de sus personajes, pues desde que en los primeros 10 segundos vi que el actor principal sería Jack Nicholson, supe que la cinta sería estupenda y no esperaría menos de su protagonista, pues me declaro Fan y fiel seguidor de la trayectoria cinematográfica de este maestro de la actuación, quien para esta ocasión obtuvo un Oscar a Mejor Actor , por su interpretación de un escritor de novelas de amor que en contraste con su vida personal es solitario, amargado, sicorrígido y obsesivo con la limpieza; un perfil psicológico estupendo para un actor de la misma talla.

El papel protagónico está dividido entre el maniático sicorrígido de Melvin Udall, interpretado por el fabuloso Jack Nicholson, una encantadora mujer: Carol Connelly, una mesera del restaurante donde Melvin acostumbra a ir. Ella saca a flote todos los más profundos dotes de mamá debido a su delicado estado de salud de su hijo y su papel es interpretado por la bellísima Helen Hunt y para algunas personas también comparte el podio el personaje de Simon Bishop, interpretado por Greg Kinnear, aunque en mi concepto, éste ultimo solo hace las veces de personaje “clave” únicamente para dar el principal punto de giro de la historia en la película.

Considero bastante importante la interpretación de Helen Hunt (Ganadora de un Oscar a Mejor Actriz) ella con su increíble instinto maternal, su capacidad de escucha ante los demás y la sensibilidad de su humilde rol, es la encargada de romper con ese escudo que cubre el negro corazón –si es que tiene- de Melvin. Por otro lado, encontramos a una singular pareja homosexual, la cual se encarga, debido a un infortunado accidente, de hacer el punto de giro que le da el “ON” al motor de la historia. La pareja está conformada por Simon (el artista) y su novio de color, quien a la vez es su manager.

La cinta está basada en las relaciones interpersonales de sus actores y muestra el cambio en el perfil sicológico de todos ellos al relacionarse entre sí. Ah! Y eso incluye el perrito, que tanto despierta ternura en las mujeres, y lo digo así porque no se dan cuenta que en el fondo ese animalito está siendo utilizado para tal fin -despertar emociones-.

Lo especial de la interpretación de Nicholson es que él logra darle la seriedad y la madurez a lo extraño y extravagante de su personaje (Melvin Udall). Hay varios apartes en los que se evidencia lo crudo que es la forma como se expresa, como por ejemplo cuando habla y sin notarlo dice cosas tan fuertes sin darse cuenta o por el contrario, cuando lo que dice lo hace intencionalmente para herir y ofender.

• En el restaurante hablando con Carol -la mesera-, le dice sin querer que “todos vamos a morir algún día, que su hijo pronto lo hará según escuchó”, y hay un -espacio muerto- hasta cuando él cae en cuenta de lo que dijo y ella le reclama histérica acerca de lo imprudente de sus palabras.

• Cuando Melvin presenta a Carol con Simon, no lo hace de forma normal ni amable, sino que por el contrario los referencia con un algo característico que seguramente escogió para hacer de su sarcasmo, un humor singular: … Melvin: Simon, ella es Carol la camarera… y Carol, él es Simon el marica…

• Mi escena favorita es la cita, donde Melvin logra que Carol se fije en él, incluso consigue que ella lo bese en un arrebato emocional, pero en el momento clave, justo cuando la expectativa está en lo máximo (punto clímax previo al desenlace), aparece de nuevo su lenguaje corrosivo y termina haciendo que Carol abandone el lugar, enojada y decepcionada de la patética forma de ser y de pensar de éste señor.

Mejor Imposible es una cinta apta para todo tipo de público, cuya intensión es quizá mostrar lo cerrados que podemos ser ante la sociedad y también como dejando atrás los prejuicios y las rutinas de vida de cada persona, es posible hacer que los demás nos miren con otros ojos, es posible hacer de la vida misma algo mejor… Tenemos en escena a tres, cuatro y hasta cuatro y medio personajes si se toma en cuenta la intervención de un perrito que pertenece a otro de los actores (Simon Bishop), el cual hace las veces de link entre nuestro “ogro de la ciudad” y su dueño, un artista en busca de inspiración.


En conclusión es una buena cinta, que recoge una serie de situaciones particulares de seres aparentemente independientes de sí mismos y logra hacer una fantástica fusión para darle paso a una trama completa, que no es ajena a la realidad y que trata la cotidianeidad desde los perfiles sicológicos de sus personajes, para mostrar lo extraña e interesante que es la vida.

CLOSER. Llevados por el deseo.

Una de las facetas que caracterizan al hombre moderno es su capacidad de resolver conflictos de manera civilizada; dialogando y afrontando de forma culta las situaciones de su cotidianeidad.

Es precisamente en películas como esta, en la que se evidencia lo doloroso que es saber la verdad.




Normalmente estamos acostumbrados a ocultar parte de la realidad, no necesariamente mintiendo, pero si omitiendo información que podría ser dolorosa para el otro. Lo atractivo de Closer es que más allá de ser una típica película de comedia romántica, es una cinta que sabe manejar los escenarios, debido a la tipicidad de las situaciones mostradas y sabe encadenar las acciones de sus personajes, pese a lo complejo de sus relaciones y sobre todo, es de exaltar su fotografía, ya que ella resalta profundamente la sensibilidad de los personajes, especialmente en tomas de primer plano y primerísimo primer plano, como por ejemplo: cuando Alice llora y una lágrima rueda por su mejilla mientras es retratada.

Hay varios puntos de expectativa o de alta tensión en los que se evidencia la contundencia del libreto, gracias a los diálogos bien elaborados y a la precisión de su guión, pues logra encajar escenas de tal forma que no permite declinar la expectativa por parte de quién la ve. Algunas escenas características que logran conectar al espectador directamente con la película, pues incluso persiste la tendencia a identificarse con algunas situaciones son:

• La caminata de Dan con Alice en el muro de “los héroes” y su contra la caminata de Dan completamente solo por el mismo lugar recordando a Alice y en donde descubre que su nombre real no era el que le había dado, pues ese nombre era uno de tantos que aparecía en aquel muro.

• La sesión de chat de Dan con Larry, en la que el lenguaje, los gestos, la escenografía y la intensión por parte de cada uno de ellos, llevan al extremo erótico la escena, sin necesidad de recurrir a desnudos ni a imágenes sugestivas. –Vale recalcar que a lo largo del film no se muestran imágenes de alto contenido erótico, pues gracias al buen manejo de la sugestión, se hace innecesaria su presentación- salvo el momento en que Larry encuentra a Alice trabajando en un bar haciendo shows eróticos.

• Por último, las escenas donde las parejas se terminan, se enfrentan o se cuestionan, (como ocurre con Dan y Alice, con Larry y Anna, Anna y Dan y Larry y Alice), son tan crudas y tan veraces que logran despertar sentimientos, emociones y/o hasta recuerdos escondidos en el espectador.

Tal vez sea un extra mío hacer referencia a “The blowers daughter”, video musical de la película interpretado por Damien Rice, pero éste sonido, asociado a las fuertes escenas sentimentales que nos exponen los actores en Closer, hace más dramática la asimilación de dichas situaciones y al igual que la música de fondo, desde el principio y hasta en el final, cuando vuelve a aparecer la canción, se puede llegar a sentir como se eriza por completo toda tu piel… Recomendación personal: …Preferiblemente no ver en compañía de su pareja.

ADAPTATION (LADRÓN DE ORQUÍDEAS)

Uno de los supuestos que muchas de las personas que nos disponemos a ver ésta película, es que relacionamos directamente a Nicolas Cage con el género de acción o algo parecido a lo que estamos acostumbrados a ver del cine Norteamericano. Pues muy lejos de ésto, en este film nos encontramos con un Nicolas mucho más espiritual, su personaje permite encarnar al tipo de persona que se basa en su interior para con el mundo, que muy en el fondo es lo que muchos queremos ver, no solo al actor de gimnasio de peinado intacto, de vestir de moda ni con un pensamiento netamente claro.


En esta oportunidad nos encontramos con un protagonista muy particular, que se basa en los problemas más cotidianos del mundo, que se la pasa pensando en qué hacer para cambiar su vida pero que no logra hacer nada porque sencillamente no actúa como piensa. Es como hallar un héroe criollo. Es como ver al ser humano en la película y no al actor de siempre, el papel trillado.

Por otro lado, Spike Jonze (Director y productor) nos proporciona unas atmósferas diferentes, unos paisajes alternos, una escenografía característica de las situaciones explícitas de cada escena, lo que hace de la película algo más creíble y permite la total comprensión del espectador, quien por supuesto ya se dejó atrapar de ésta maravillosa cinta. Mr Jonze hace fácil todo este porque de hecho trabaja más tiempo en videos musicales y/o para skaters que en cortos cinematográficos o producciones para televisión, lo que proporciona un trabajo de fotografía impecable.

Adaptation es un film del año 2002 de comedia dramática. Fue escrita por Charlie Kaufman pero dirigida por Spike Jonze . Su historia está basada en el libro: El ladrón de orquídeas de Susan Orlean's. Sus protagonistas principales son: Nicolas Cage como Charlie y Donald Kaufman, Meryl Streep Susan, con Chris Cooper.

Esta película recibió varias distinciones y premios importantes, sobretodo en la 75o Premios de la Academia, 60a entrega de los Globos de Oro y 56a: Premios BAFTA, aunque también recibió fuertes críticas por parte de la crítica, quienes argumentaron que llavar la historia del libro al cine no fue lo mejor, pues se cambiaron ciertos contenidos que pudieron hacer de la película algo mas seria y de igual acojida, en vez de suprimir ciertas intensiones del libreto original.

Es una cinta muy interesante y nos da un respiro entre el cine tradicional al que sin darnos cuenta nos tienen tan acostumbrados.

La Ventana Indiscreta

Este film del director Alfred Hitchcock fue nominado a cuatro Premios Oscar: al mejor director, mejor fotografía, mejor guión y mejor sonido.


No es de extrañar que un director tan controversial como Hitchcock halla obtenido tantas nominaciones ni tantos comentarios por parte de la crítica a favor y en contra, pues en ocasiones anteriores lo consiguió en 1960 con "Psicosis" protagonizada por Anthony Perkins y Janet Leigh entre otros, uno de los mayores éxitos de su carrera, la cual contenía una de las escenas más impactantes de la historia del séptimo arte: el asesinato de su protagonista, Janet Leigh, en la ducha a mitad de la película.


Considerado como el maestro del suspenso, Alfred Hitchcock logró en su película mantener al televidente en total expectativa y aunque la cinta no es de mi total agrado, si debo reconocer que la manera como el director plantea todas las situaciones lo hacen un buen estratega, pues unas cosas van ligadas a las otras dentro del film y desde el anticlímax, cuando empezamos a atar cabos, se hace inevitable continuar hasta el final.

Esta cinta data de 1954 y es protagonizada por James Stewart y Grace Kelly.Pequeña Sinopsis:Un fotógrafo (James Stewart) recluido en su apartamento y con una pierna enyesada debido a un accidente, elabora conjeturas acerca del extraño comportamiento de uno de sus vecinos de enfrente (Raymond Burr) al que espía valiéndose de toda herramienta a su alcance (cámara fotográfica, binoculares). El juego va complicándose, y entra en él su novia (Grace Kelly) y más tarde su enfermera (Thelma Ritter), quienes incluso entran a registrar la casa del vecino.
(Argumento extraído de: www.wikipedia.com)

The Departed (Los infiltrados)

Esta magnífica obra del director Martin Scorsese, es considerada por la crítica especializada como una de las mejores del cine policíaco gracias a la trama que ofrece y a las actuaciones de los experimentados protagonistas, que lograron dar la intensión que buscaba Scorsese.

El argumento se basa en un thriller policíaco de 2002 en Hong Kong llamado Infernal Affairs, ("Juego sucio" en España) que fue todo un éxito en Asia.

Esta película cuenta con la actuación especial de personalidades de la talla de Leonardo DiCaprio (Billy Costigan), Jack Nicholson (Costello), Matt Damon (Colin Sullivan), entre otras estrellas del séptimo arte. Sin duda alguna es gracias a las actuaciones de ellos que la cinta adquirió gran fuerza y popularidad, además de los miles de fanáticos del aclamado director que en el 2004 ya había batido record de ventas con otra de sus máximas: The Aviator (El aviador).

¿Qué encontraremos?

Este es un espacio dedicado al análisis de películas de distintos géneros cinematográficos, en el cual se hallarán algunas de las razones por las cuales se debe ver o no el film estudiado en cada uno de los casos.

La imparcialidad tendrá su espacio, al igual que lo tendrá la objetividad y la subjetividad según sea, pues como moderador de discusiones alegóricas a las películas, mantendré una posición frente a cada análisis, lo que no significa que no pueda calificar a mi gusto y decir abiertamente lo que piense década película.