Pulp Fiction

Un reparto de primera, un protagonismo perfectamente dividido y una trama que pese a lo complejo de su estructura, consigue atrapar por completo la atención del público.

Si bien hoy por hoy Quentin Tarantino se pasea por el hall de la fama gracias a la versatilidad con que nos presenta sus extrañas pero exitosas películas; fue en momentos como el de Pulp Fiction (1994) en que este genio del largometraje dio a conocer lo fantástico de sus creaciones para la pantalla gigante. Esto sin dejar de lado que no solo dirige sino que escribe e interpreta algunos de sus personajes al tiempo que se encarga de la parte de dirección. No por nada ganó varios premios al Mejor Director y a Mejor Guionista, entre ellos un Oscar y un Globo de Oro.

El aspecto que más me atrae de ésta película es la articulación de esas pequeñas historias que se cuentan al interior de su cinta y que el mismo Tarantino guardó hasta lograr su correcta puesta en escena y el desarrollo que le da a las mismas. Es lo que yo considero una unión perfecta: Un buen director, a cargo de unos actores de primera, sobre un mismo escenario y en un punto clave de sus carreras.

Algunos puntos clímax mostrados en la cinta:

• Cuando Jules (Samuel L. Jackson) y Vincent (John Travolta) van por el maletín y antes de matar al sujeto que buscaban lo cuestionan y lo interrogan tratando de dar paso a una discusión que justifique su muerte.

• Cuando Butch(Bruce Willis) ha escapado satisfactoriamente de ser visto luego de un asesinato y en un cruce de semáforo se detiene mientras cambia y justo allí, donde todo era perfecto para el personaje donde la línea de interés decae como cerrando un capítulo, aparece Marcellus(Ving Rhames) quien buscaba a Butch y la escena se prolonga, elevando nuevamente el nivel de atención del espectador, inclusive con la aparición de un tercer personaje (el tendero del Gun Shop), creando otro punto de giro que cambia totalmente la persecución y nos adentra en una nueva trama, en la que su fin es tan exótico como solamente pudo ocurrirse en la mente de su director.

• La fetichista escena donde Mia Wallace (Uma Thurman) inhala heroína y sufre un colapso que casi le cuesta la vida. Escena seguida de el momento en que le inyectan una dosis de adrenalina directamente de en su corazón.

Conclusión: Es una película perfecta cuando se ve completa y no con los fatales cortes de escenas que hacen cuando la adaptan para televisión; lo digo por experiencia porque las dos veces que vi ésta película lo hice en televisión y así se pierde continuidad, singularidad e interés.

The Departed (Los infiltrados)

The Departed (Los infiltrados)

Esta magnífica obra del director Martin Scorsese, es considerada por la crítica especializada como una de las mejores del cine policíaco gracias a la trama que ofrece y a las actuaciones de los experimentados protagonistas, que lograron dar la intensión que buscaba Scorsese.

El argumento se basa en un thriller policíaco de 2002 en Hong Kong llamado Infernal Affairs, ("Juego sucio" en España) que fue todo un éxito en Asia.

Esta película cuenta con la actuación especial de personalidades de la talla de Leonardo DiCaprio (Billy Costigan), Jack Nicholson (Costello), Matt Damon (Colin Sullivan), entre otras estrellas del séptimo arte. Sin duda alguna es gracias a las actuaciones de ellos que la cinta adquirió gran fuerza y popularidad, además de los miles de fanáticos del aclamado director que en el 2004 ya había batido record de ventas con otra de sus máximas: The Aviator (El aviador).

Posted 23rd February 2010 by stp

CIUDADANO KANE

Catalogada según la crítica especializada como una de las 5 o hasta 10 mejores películas de toda la historia del cine, producida, dirigida y protagonizada por Orson Welles. Algunas personas toman éste clásico cinematográfico como algo denso, tedioso. Sin embargo, ésta es y será una obra maestra, una película creada con un presupuesto demasiado alto para la época y que utilizó todos los recursos fílmicos existentes para dar como resultado una puesta en escena nunca antes vista, algo que causó gran conmoción en su entonces, algo que nadie esperaba ver.

Personalmente ya había visto ésta película y entre la primera y la segunda vez que la vi, pasaron casi 8 años, pero recuerdo perfectamente que en la primera ocasión me impresionaron mucho más algunas cosas que por muy superficiales que fueran, son la esencia de su estructura:

• La forma como está construida la historia, con un inicio enmarcado por la crueldad como es prácticamente cambiado el niño (Charles Foster Kane), alejado de su felicidad natural aún en lo precario de su condición económica.

• Un desarrollo de la trama con libretos perfectamente articulados, aún cuando la historia es contada desde la perspectiva de 5 o 6 personajes, los cuales tuvieron un contacto cercano. Algunos de ellos lo enaltecen, lo idolatran y otros lo ven con resentimiento, como un ser prepotente y arrogante, capaz de conseguir sus objetivos sin importarle pasar por encima de los demás o a costa de ellos.

• Un final esperado, que recuerda la lección de que ni siquiera con todo el dinero del mundo se puede comprar la felicidad. Por ello Charles Foster Kane termina solo, multimillonario, pero solo. Algo que es preciso resaltar es la angulación con la que se hace la toma de las escenas. Un juego de cámaras que nos ofrece una perspectiva especial, diferente, sentimos los actores, los escenarios, sin duda alguna esto ayuda a darle una intensión más marcada de lo normal a los planos de enfoque, como por ejemplo:

• Cuando se hace un contrapicado, la cámara está por lo menos unos 50cm por debajo del nivel del suelo, lo que le da al espectador una sensación de gigantismo del personaje.

• También vemos unos plano secuencias en los que la cámara nunca se aparta del personaje, aún cuando éste debe desplazarse y cambiar de escenario pasando de un cuarto a otro y la cámara lo enfoca continuamente, dando la sensación de estar viviendo el momento… es fantástico, no dejar caer la atención del público y esto permite dar una continuidad que realmente no he visto en otras películas.

• La escena en la que mejor se aprecian los anteriores dos efectos es en donde Charles Foster Kane está destruyendo todo en el cuarto, pues mientras esto ocurre la cámara permanece en una esquina inferior y al acercarse kane nos da esa sensación de gigantismo al verse extrañamente enorme en proporción con lo que se enfoca al fondo de la toma.

• Luego, cuando Kane sale de un cuarto y pasa a un inmenso pasillo de espejos enormes, un escenario que por sus proporciones, más bien parece un exterior, aun cuando se entiende que es dentro del mismo palacio. Ahora bien, el paso de un interior a un exterior en una toma continua es algo realmente difícil de lograr y más sabiendo que en esa época no contaban con los recursos fílmicos que tenemos ahora, pero Wells lo consiguió, incluso juega con el reflejo del personaje en un espejo del palacio para terminar de mostrarlo alejarse sin hacer corto en la secuencia.

En fin, hay muchas escenas perfectas para analizar, pero la anterior es realmente clave para mostrar el potencial de una mente tan brillante como la de Orson Welles, quien se metió de lleno en su película e hizo de ella una cinta para recomendar, para analizar y en casos como el mío, para disfrutar…

Mejor Imposible.

Sería falso de mi parte decir que al analizar esta película mantendría el equilibrio en la importancia de sus personajes, pues desde que en los primeros 10 segundos vi que el actor principal sería Jack Nicholson, supe que la cinta sería estupenda y no esperaría menos de su protagonista, pues me declaro Fan y fiel seguidor de la trayectoria cinematográfica de este maestro de la actuación, quien para esta ocasión obtuvo un Oscar a Mejor Actor , por su interpretación de un escritor de novelas de amor que en contraste con su vida personal es solitario, amargado, sicorrígido y obsesivo con la limpieza; un perfil psicológico estupendo para un actor de la misma talla.

El papel protagónico está dividido entre el maniático sicorrígido de Melvin Udall, interpretado por el fabuloso Jack Nicholson, una encantadora mujer: Carol Connelly, una mesera del restaurante donde Melvin acostumbra a ir. Ella saca a flote todos los más profundos dotes de mamá debido a su delicado estado de salud de su hijo y su papel es interpretado por la bellísima Helen Hunt y para algunas personas también comparte el podio el personaje de Simon Bishop, interpretado por Greg Kinnear, aunque en mi concepto, éste ultimo solo hace las veces de personaje “clave” únicamente para dar el principal punto de giro de la historia en la película.

Considero bastante importante la interpretación de Helen Hunt (Ganadora de un Oscar a Mejor Actriz) ella con su increíble instinto maternal, su capacidad de escucha ante los demás y la sensibilidad de su humilde rol, es la encargada de romper con ese escudo que cubre el negro corazón –si es que tiene- de Melvin. Por otro lado, encontramos a una singular pareja homosexual, la cual se encarga, debido a un infortunado accidente, de hacer el punto de giro que le da el “ON” al motor de la historia. La pareja está conformada por Simon (el artista) y su novio de color, quien a la vez es su manager.

La cinta está basada en las relaciones interpersonales de sus actores y muestra el cambio en el perfil sicológico de todos ellos al relacionarse entre sí. Ah! Y eso incluye el perrito, que tanto despierta ternura en las mujeres, y lo digo así porque no se dan cuenta que en el fondo ese animalito está siendo utilizado para tal fin -despertar emociones-.

Lo especial de la interpretación de Nicholson es que él logra darle la seriedad y la madurez a lo extraño y extravagante de su personaje (Melvin Udall). Hay varios apartes en los que se evidencia lo crudo que es la forma como se expresa, como por ejemplo cuando habla y sin notarlo dice cosas tan fuertes sin darse cuenta o por el contrario, cuando lo que dice lo hace intencionalmente para herir y ofender.

• En el restaurante hablando con Carol -la mesera-, le dice sin querer que “todos vamos a morir algún día, que su hijo pronto lo hará según escuchó”, y hay un -espacio muerto- hasta cuando él cae en cuenta de lo que dijo y ella le reclama histérica acerca de lo imprudente de sus palabras.

• Cuando Melvin presenta a Carol con Simon, no lo hace de forma normal ni amable, sino que por el contrario los referencia con un algo característico que seguramente escogió para hacer de su sarcasmo, un humor singular: … Melvin: Simon, ella es Carol la camarera… y Carol, él es Simon el marica…

• Mi escena favorita es la cita, donde Melvin logra que Carol se fije en él, incluso consigue que ella lo bese en un arrebato emocional, pero en el momento clave, justo cuando la expectativa está en lo máximo (punto clímax previo al desenlace), aparece de nuevo su lenguaje corrosivo y termina haciendo que Carol abandone el lugar, enojada y decepcionada de la patética forma de ser y de pensar de éste señor.

Mejor Imposible es una cinta apta para todo tipo de público, cuya intensión es quizá mostrar lo cerrados que podemos ser ante la sociedad y también como dejando atrás los prejuicios y las rutinas de vida de cada persona, es posible hacer que los demás nos miren con otros ojos, es posible hacer de la vida misma algo mejor… Tenemos en escena a tres, cuatro y hasta cuatro y medio personajes si se toma en cuenta la intervención de un perrito que pertenece a otro de los actores (Simon Bishop), el cual hace las veces de link entre nuestro “ogro de la ciudad” y su dueño, un artista en busca de inspiración.


En conclusión es una buena cinta, que recoge una serie de situaciones particulares de seres aparentemente independientes de sí mismos y logra hacer una fantástica fusión para darle paso a una trama completa, que no es ajena a la realidad y que trata la cotidianeidad desde los perfiles sicológicos de sus personajes, para mostrar lo extraña e interesante que es la vida.

CLOSER. Llevados por el deseo.

Una de las facetas que caracterizan al hombre moderno es su capacidad de resolver conflictos de manera civilizada; dialogando y afrontando de forma culta las situaciones de su cotidianeidad.

Es precisamente en películas como esta, en la que se evidencia lo doloroso que es saber la verdad.




Normalmente estamos acostumbrados a ocultar parte de la realidad, no necesariamente mintiendo, pero si omitiendo información que podría ser dolorosa para el otro. Lo atractivo de Closer es que más allá de ser una típica película de comedia romántica, es una cinta que sabe manejar los escenarios, debido a la tipicidad de las situaciones mostradas y sabe encadenar las acciones de sus personajes, pese a lo complejo de sus relaciones y sobre todo, es de exaltar su fotografía, ya que ella resalta profundamente la sensibilidad de los personajes, especialmente en tomas de primer plano y primerísimo primer plano, como por ejemplo: cuando Alice llora y una lágrima rueda por su mejilla mientras es retratada.

Hay varios puntos de expectativa o de alta tensión en los que se evidencia la contundencia del libreto, gracias a los diálogos bien elaborados y a la precisión de su guión, pues logra encajar escenas de tal forma que no permite declinar la expectativa por parte de quién la ve. Algunas escenas características que logran conectar al espectador directamente con la película, pues incluso persiste la tendencia a identificarse con algunas situaciones son:

• La caminata de Dan con Alice en el muro de “los héroes” y su contra la caminata de Dan completamente solo por el mismo lugar recordando a Alice y en donde descubre que su nombre real no era el que le había dado, pues ese nombre era uno de tantos que aparecía en aquel muro.

• La sesión de chat de Dan con Larry, en la que el lenguaje, los gestos, la escenografía y la intensión por parte de cada uno de ellos, llevan al extremo erótico la escena, sin necesidad de recurrir a desnudos ni a imágenes sugestivas. –Vale recalcar que a lo largo del film no se muestran imágenes de alto contenido erótico, pues gracias al buen manejo de la sugestión, se hace innecesaria su presentación- salvo el momento en que Larry encuentra a Alice trabajando en un bar haciendo shows eróticos.

• Por último, las escenas donde las parejas se terminan, se enfrentan o se cuestionan, (como ocurre con Dan y Alice, con Larry y Anna, Anna y Dan y Larry y Alice), son tan crudas y tan veraces que logran despertar sentimientos, emociones y/o hasta recuerdos escondidos en el espectador.

Tal vez sea un extra mío hacer referencia a “The blowers daughter”, video musical de la película interpretado por Damien Rice, pero éste sonido, asociado a las fuertes escenas sentimentales que nos exponen los actores en Closer, hace más dramática la asimilación de dichas situaciones y al igual que la música de fondo, desde el principio y hasta en el final, cuando vuelve a aparecer la canción, se puede llegar a sentir como se eriza por completo toda tu piel… Recomendación personal: …Preferiblemente no ver en compañía de su pareja.